29 de novembro de 2009

EXPERIMENTANDO FORMAS E CORES

Postado por célia ferrer às 21:51:00
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ATENÇÃO,
GALERA DO BEBERIBE!!


Fiquem atentos OK? a matéria a ser estudada para a avaliação é ABSTRACIONISMO VERDE E AMARELO e ABSTRACIONISMO. Não vacilem, tá?

Agora, olha que legal!!
Após a aula teórica, fomos para a biblioteca e lá pudemos brincar um pouquinho com as formas e as cores.

Foi DEmAis num foi não??

























26 de novembro de 2009

NO MUNDO DOS SONHOS

Postado por célia ferrer às 09:46:00
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O SURREALISMO

O Surrealismo foi um movimento artístico e literário surgido primariamente em Paris dos anos 20, inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo, reunindo artistas anteriormente ligados ao Dadaísmo e posteriormente expandido para outros países. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Seus representantes mais conhecidos são Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas, André Breton na literatura e Luis Buñuel no cinema.



Miró


O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente. Suas origens devem ser buscadas no dadaísmo e na pintura metafísica de Giorgio De Chirico.
Este movimento artístico surge todas às vezes que a imaginação se manifesta livremente, sem o freio do espírito crítico, o que vale é o impulso psíquico. Os surrealistas deixam o mundo real para penetrarem no irreal, pois a emoção mais profunda do ser tem todas as possibilidades de se expressar apenas com a aproximação do fantástico, no ponto onde a razão humana perde o controle.




Dali - Persistência da memória


A publicação do Manifesto do Surrealismo, assinado por André Breton em outubro de 1924, marcou historicamente o nascimento do movimento. Nele se propunha a restauração dos sentimentos humanos e do
instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. Para isso era preciso que o homem tivesse uma visão totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto do espírito no qual a realidade interna e externa são percebidas totalmente isentas de contradições.


La chateau des Pyrenees by Rene Magritte
La chateau des Pyrenees
by Rene Magritte


A livre associação e a análise dos sonhos, ambos métodos da psicanálise freudiana, transformaram-se nos procedimentos básicos do surrealismo, embora aplicados a seu modo. Por meio do automatismo, ou seja,
qualquer forma de expressão em que a mente não exercesse nenhum tipo de controle, os surrealistas tentavam
plasmar, seja por meio de formas abstratas ou figurativas simbólicas, as imagens da realidade mais profunda do
ser humano: o subconsciente.


http://farm3.static.flickr.com/2646/3769996031_8f8858cbf0.jpg

HANS BELMER


Buscava deliberadamente o bizarro e irracional para expressar verdades ocultas, inalcançáveis por meio da lógica. Foram duas formas dentro do movimento: Joan Miró e Max Ernst praticavam a arte improvisada, distanciando-se o mais possível do controle consciente.


[1034de_chirico_lodeve.jpg]

DE CHIRICO


Já outros, como Dali, De Chirico e Magritte, usavam técnicas realistas para apresentar cenas alucinatórias que desafiavam o senso comum.


http://www.thierrymelchior.net/images/max_ernst_oedipus_rex.gif

MAX ERNST


O Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o Dadaísmo. No entanto, se os dadaístas propunham apenas a destruição, os surrealistas pregavam a destruição da sociedade em que viviam e a criação de uma nova, a ser organizada em outras bases. Os surrealistas pretendiam, dessa forma, atingir uma outra realidade, situada no plano do subconsciente e do inconsciente. A fantasia, os estados de tristeza e melancolia exerceram grande atração sobre os surrealistas, e nesse aspecto eles se aproximam dos românticos, embora sejam muito mais radicais.






19 de novembro de 2009

CORES E FORMAS

Postado por célia ferrer às 16:13:00
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O ABSTRACIONISMO
VERDE E AMARELO



Clique para Ampliar

Lygia Clark sugere uma nova fruição da arte nas obras Planos em superfície modulada e Bicho

Clique para Ampliar


O abstracionismo no Brasil surgiu praticamente como um dos movimentos mais importantes do século passado: a Semana de Arte Moderna

Paris diz, Brasil ouve. Paris fala, Brasil repete´. A expressão do crítico de arte e poeta, Ferreira Gullar, ao se referir à internacionalização da arte, no livro ´Cultura Posta em Questão´, reflete o caminho seguido pelo Brasil na construção das ditas vanguardas que sacudiram os pilares da arte européia, na primeira metade do século XX. É fato que os respingos demoraram a aportar na ´terra brasilis´, mas chegaram, e foram engolidos de maneira antropofágica, como bem definiu Oswald de Andrade, um dos representantes da primeira fase do modernismo brasileiro.



http://2.bp.blogspot.com/_oD-g-o8rcMQ/R_sFgy09G_I/AAAAAAAAAXE/MkBrZ5fVycc/s400/s.titulo.1987.jpg
MANABU MABE



Assim como aconteceu na Europa, a arte abstrata brasileira veio no rastro do movimento moderno, cujo marco foi a Semana de Arte Moderna de 1922, marcando no País, a ruptura com as formas tradicionais de fazer arte. O abstracionismo consolida-se no País, na década de 1950, como uma afirmação do modernismo verde-amarelo. Naquele instante, não se tratava mais de um movimento de contestação pura e simplesmente contra a estética acadêmica, como acontecera, no primeiro momento, em 1922.


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TOMIE OTAKE



O marco do abstracionismo no Brasil foi a Exposição Nacional de Arte Abstrata, realizada em fevereiro de 1953, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. A mostra, que chocou o público, reuniu artistas das mais diversas tendências da arte abstrata ou não figurativa no País.


http://catracalivre.folha.uol.com.br/wp-content/uploads/2008/12/bandeira.jpg
ANTONIO BANDEIRA



Ou seja, juntou numa mesma exposição artistas ligados à tendência do abstracionismo geométrico, evidenciado por meio do movimento concreto, de São Paulo. Assim como os do grupo Ruptura, e os artistas cariocas do grupo Frente, mais ligados ao abstracionismo lírico ou gestual.



http://www.jornaljovem.com.br/edicao5/img/arte_IvanSerpa_semtitulo1953.jpg



A história do abstracionismo no Brasil passa por diferentes visões e também pela formação de grupos. No entanto, o que se observa é que o individual acabou prevalecendo sobre o grupo que terrminavam se desfazendo. As divergências entre os dois grupos ficaram evidenciadas na Exposição de Arte Concreta em São Paulo, realizada em 1956, e, a do Rio, em 1957.



http://www.galeriaberenicearvani.com/imagens/tn_071217ls06.jpg
LUIZ SACILOTTO




Sem entrar no mérito da dissidência entre os grupos, é possível citar alguns artistas que se destacaram no período: Manabu Mabe, Tomie Othake e Cícero Dias representantes do abstracionismo lírico. Entre os artistas do grupo Ruptura, mais ligados à forma geométrica estão: Waldemar Cordeiro, Geraldo de Barros, Lothar Charoux. No grupo Frente carioca estavam: Ivan Serpa, Lygia Clark, Hélio Oiticica e Franz Weissmann.



http://www.galeriabergamin.com.br/atraves/cordeiropp.jpg
WALDEMAR CORDEIRO



No entanto, é preciso lembrar que nem todos os artistas do período tiveram ligações com algum grupo, como por exemplo, Alfredo Volpi, Milton Dacosta, Cássio Michalany além de Sérgio Camargo.


http://cronicasurbanas.files.wordpress.com/2009/10/helio-oiticica-instalacao.jpg

HELIO OITICICA



Vale ressaltar que o pintor cearense Antonio Bandeira (1922-1967), cuja obra cruzou fronteiras indo parar em Paris, depois de ter passado pelo Rio de Janeiro, em 1946, nunca se enquadrou em nenhum grupo de arte abstrata. No entanto, foi um dos mais importantes representantes do abstracionismo lírico, ao lado de nomes como o pintor suíço, Paul Klee.



http://www.fazenda.gov.br/portugues/cultura/imagens/espaco/galeria/colecoes/coleco20.jpg
ALFREDO VOLPI




O artista, cujas primeiras exposições no Brasil aconteceram em 1940, não pendeu para nenhuma das tendências dos grupos brasileiros. Nem aos concretistas paulistas, nem tampouco aos neoconcretistas cariocas. Preferiu imprimir uma marca ímpar a sua pintura, mostrando que o seu compromisso era com a arte, fugindo de rótulos.








APROFUNDANDO SEU CONHECIMENTO


Procure no google, imagens das obras de Iberê Camargo e Alfredo Volpi. Escolha duas que você mais gostou e tente descrevê-las minuciosamente. Não esqueça nenhum detalhe, viu?




CORES E FORMAS

Postado por célia ferrer às 13:58:00
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ABSTRACIONISMO




A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, entre as linhas e os planos, as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao espírito.

Kandinsky


Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da forma, quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser abstrata.

Kandinsky

O Abstracionismo apresenta várias fases, desde a mais sensível até a intelectualidade máxima.
Abstracionismo Sensível ou Informal, predominam os sentimentos e emoções. As cores e as formas são criadas livremente. Uma arte abstrata, que coloca na cor e forma a sua expressividade maior.


Kandinsky

Com a forma, a cor e a linha, o artista é livre para expressar seus sentimentos interiores, sem relacioná-los a lembrança do mundo exterior. Estes elementos da composição devem ter uma unidade e harmonia, tal qual uma obra musical.


Não há, na realidade, oposição entre figuração e abstração nas artes plásticas. O processo de abstração (sintetização das formas) existe em qualquer modo de representação, mesmo nas pinturas chamadas naturalistas. O que pode ser diferenciado é o grau de abstração de uma imagem, que varia de acordo com o reconhecimento possível da forma original percebida pelo olho. Quando a referência não é mais visível, chega-se a uma abstração pura , ou seja, uma forma autônoma em relação à realidade.
A primeira abstração de que se tem notícia é atribuída ao russo Vassili Kandinsky, um dos grandes do gênero no século XX, ao lado de Piet Mondrian e Kazimir Malevitch. Em 1930, Theo Van Doesburg usou pela primeira vez a expressão arte concreta para denominar as manifestações que se desvincularam totalmente da representação da natureza e dos sentimentos isto é, como se fosse um puro fato plástico ou visual.

WASSILY KANDINSKY (1866-1944), pintor russo, antes do abstracionismo participou de vários movimentos artísticos como impressionismo; também atravessou uma curta fase fauve e expressionista. Escreveu livros. Dezenas de suas obras foram confiscadas pelos nazistas e várias delas expostas na mostra de "Arte Degenerada".


Kandinsky

Kandinsky

Abstracionismo Geométrico, as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica.

Neoplasticismo, seu criador e principal teórico foi Piet Mondrian. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho, azul e amarelo). O ângulo reto é o símbolo do movimento, sendo rigorosamente aplicado à arquitetura.

PIET MONDRIAN (1872-1944), pintor holandês. Depois de haver participado da arte cubista, continua simplificando suas formas até conseguir um resultado, baseado nas proporções matemáticas ideais, entre as relações formais de um espaço estudado.


Mondrian

O artista utiliza, como elemento de base, uma superfície plana, retangular e as três cores primárias com um pouco de preto e branco. Essas superfícies coloridas são distribuídas e justapostas buscando uma arte pura.


Mondrian

Segundo Mondrian, cada coisa, seja uma casa, seja uma árvore ou uma paisagem, possui uma essência que está por tráz de sua aparência. E as coisas, em sua essência, estão em harmonia no universo. O papel do artista, para ele, seria revelar essa essência oculta e essa harmonia universal.

Ele procura, pesquisa e consegue um equilíbrio perfeito da composição, despojado de todo excesso da cor, da linha ou da forma.


Vestido de 1965, de Yves Saint Laurent, baseado na obra de Mondrian








Imagens de Kandinsky, Mondrian, Malevich, Tatlin, Lèger etc...

13 de novembro de 2009

LEONARDO DA VINCI

Postado por célia ferrer às 01:31:00
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CURIOSIDADES




Você sabia?

que...


Leonardo Da Vinci escrevia ao contrário de maneira a só se poder ler os seus estudos com um espelho?


que...

Leonardo Da Vinci planificou várias máquinas voadoras, entre elas, o parafuso aéreo que inspirou o primeiro modelo de helicóptero?




que...

Leonardo Da Vinci acreditava que a visão era o sentido mais importante de todos?
Foi através da experiência empírica que este construiu grande parte da sua obra no ramo da engenharia e mecânica valorizando dessa forma uso dos sentidos. Os esboços de um tanque semelhante a uma tartaruga e os de um “Ornithopter” (máquina voadora com asas movíveis semelhantes as das aves) são alguns exemplos.


que...

Para pintar a “Última Ceia”, Leonardo Da Vinci inventou o primeiro plástico de forma a conseguir pintar o quadro ao longo de um grande período de tempo?

Infelizmente, a utilização desse plástico teve como consequência a degradação prematura da pintura.




que...


Leonardo da Vinci desenhou o que se pensa ser o primeiro cilindro de mergulho funcional do mundo, apesar de tal feito ter sido atribuído ao alemão Karl Heinrich Klingert em 1797.







que...

Nos seus esboços, Leonardo Da Vinci desenhava as suas invenções com defeitos, isto é, com pequenos erros para que só ele soubesse como fazê-las funcionar corretamente?


que...

Da Vinci destacou-se em diversas áreas como a engenharia, a medicina e a arte?
Na medicina, por exemplo, Leonardo descobriu a razão pela qual as pessoas morrem de velhice (acumulação de substâncias que vão precipitando nos vasos sanguíneos, estreitando-os). Excetuando a palavra colesterol, Da Vinci fez uma descoberta do séc. XXI em pleno séc. XV.



que...

Leonardo esboçou várias máquinas de guerra entre elas, um tanque de combate e catapultas de contra-peso e braço flexível, contribuindo assim para o avanço da engenharia militar.
No entanto, apenas o fazia como meio de subsistência na medida em que mostrava um enorme desprezo pelas guerras humanas.



que...

A NASA, mesmo nos dias de hoje, ainda usa certos estudos e desenhos de Leonardo Da Vinci na área da robótica em aplicações para os seus próprios projetos?


Como se não bastasse ser provavelmente um dos homens mais inteligentes que já existiu, Leonardo da Vinci é reportado como um homem bonito, forte e com uma excelente voz para cantar. Era vegetariano e seguia à risca uma dieta saudável. Como protector de animais que foi, dava-se ao luxo de comprar animais em feiras para ter o prazer de os soltar em liberdade.

O sorriso de Mona Lisa já despoletou várias teorias, entre elas uma que defende que se deve ao facto de Gioconda estar secretamente grávida. Sigmund Freud, por seu lado, interpretava a figura enigmática de Mona Lisa como uma simbiose entre o sorriso da sua mãe adoptiva e o olhar triste de sua mãe natural (Psychology, Lewis-Clark State College). A teoria mais aceite é a de que Mona Lisa não é mais do que um auto-retrato do artista. Alguns testes com raios-X comprovam esta teoria.


CURIOSIDADES DA ÚLTIMA CEIA

Não sei se esta história é verdadeira, mas é muito interessante.
Segundo diversas fontes sobre o assunto, tanto a forma que Leonardo encontrou o modelo, como o final da história é bastante diverso. Leiam, vocês vão gostar.


Leonardo Da Vinci levou sete anos para completar sua famosa obra entitulada
"A Último Ceia".
As figuras que representam os 12 apóstolos e Jesus, foram tomadas de pessoas reais e a pessoa que seria o modelo para ser Cristo, foi a primeira a ser selecionada.

Quando souberam que Da Vinci pintaria esta obra, centenas de jovens se apresentaram ante o artista para serem selecionados. Ele buscava um rosto que mostrasse uma personalidade inocente, pacífica e ao mesmo tempo bela. Buscava um rosto livre das cicatrizes e os duros traços deixados pela vida intranqüila do pecado.
Finalmente, após alguns meses de busca selecionou um jovem de 19 anos de idade como seu modelo para pintar a imagem de Jesus. Por 6 meses Leonardo trabalhou para pintar somente o personagem principal da magnânima obra.

Durante os 6 anos seguintes, Da Vinci continuou sua obra buscando às pessoas que representariam os 11 apóstolos; deixando para o final àquele que representaria Judas, o apóstolo "entregão" que traiu Cristo por 30 moedas de prata.
Por semanas ele procurou um homem com uma expressão dura e fria. Um rosto marcado por cicatrizes de avareza, decepção, traição, hipocrisia e crime. Um rosto que pudesse identificar uma pessoa que sem dúvida alguma trairia seu melhor amigo.
Após muitas frustradas tentativas na busca deste modelo chegou aos ouvidos de Leonardo que existia um homem com estas características no calabouço de Roma.

Este homem estava sentenciado a morte por ter levado uma vida de roubo e assassinatos. Leonardo viajou a Roma assim que soube isto e pediu para ver aquele homem sob a luz do sol.
Ele se deparou com um homem sem vida, todo maltratado com os cabelos longo caindo sobre seu rosto e escondendo dois olhos cheios de rancor, ódio e ruína. Enfim Leonardo encontrara a face para modelar Judas em sua obra.

Por meio de uma permissão do rei, este prisioneiro foi transladado ao estúdio do artista em Milão e por vários meses o homem sentou-se silenciosamente em frente a Da Vinci enquanto ele continuava dando vida ao personagem na obra de arte.

Quando Leonardo deu a última pincelada de seu quadro, voltou-se aos guardas do prisioneiro e solicitou que levassem-no dali. Mas quando saíam do recinto o prisioneiro soltou-se e correu para Leonardo gritando:

- "Da Vinci! Olha para mim! Não reconheces quem sou?" Leonardo Dá Vinci estudou-o cuidadosamente e respondeu:

- "Nunca te vi em toda minha vida, até aquela tarde no calabouço de Roma." O prisioneiro levantou seus olhos ao céu, caiu de joelhos ao solo e gritou desesperadamente:

- "Será que caí tão baixo assim!", depois voltou novamente seu rosto ao artista e disse:

- "Leonardo! Olhe-me novamente, pois, eu sou aquele jovem cujo rosto escolheste para representar a Cristo há sete anos..."

Não há comprovação histórica e é uma das muitas lendas que envolvem o nome do genial Leonardo Da Vinci.

Alguns historiadores afirmam que a obra foi concluída em três anos, enquanto outros ressaltam que demorou quatro anos para ser concluída. Mas todos concordam que ela sofreu vários retoques, dados pelo próprio Leonardo da Vinci, ao longo dos 20 anos seguintes.


Porta Oculta

No século XVII, frades do convento dominicano se Santa Maria Delle Grazie, perto de Milão, abriram uma porta pela parte inferior da pintura na parede da famosa Última Ceia de Leonardo da Vinci.
O objetivo era apenas diminuir a distância para ir até o refeitório.


http://orfadaofelia.files.wordpress.com/2009/04/davinc11.jpg
SEM A PORTA


http://www.gastronomias.com/galeria/galeria/ultima_ceia_s_moldura.jpg
COM A PORTA



Veja " A última ceia" em alta definição, visite o site:

www.haltadefinizione.com/magnifier.jsp?idopera=1









































































7 de novembro de 2009

O RENASCER DA ARTE

Postado por célia ferrer às 23:22:00
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 O RENASCIMENTO NA ITÁLIA

" O termo Renascimento é comumente aplicado à civilização européia que se Desenvolveu entre 1300 e 1650. Ele sugere que, a partir do século XIV, teria havido na Europa um súbito reviver dos ideais da cultura greco-romana. Mas na verdade foi um momento da História muito mais amplo e complexo onde ocorreram muitos Progressos e incontáveis realizações das artes nenhum campo, da literatura e das ciências, que superaram uma herança clássica. O ideal do humanismo foi sem dúvida o móvel desse progresso e tornou-se o próprio espírito do Renascimento. Num sentido amplo, esse ideal pode ser entendido como uma valorização do homem e da natureza, em oposição ao divino e ao sobrenatural, conceitos que haviam impregnado a cultura da Idade Media.

Características gerais:


* Racionalidade
* Dignidade do Ser Humano
* Rigor Científico
* Ideal Humanista
* Reutilização das artes greco-romana

ARQUITETURA

Na arquitetura renascentista, a ocupação do espaço pelo Edifício baseia-se em relações matemáticas estabelecidas de tal forma que o observador POSSA compreender uma lei que o organiza, de qualquer ponto em que se coloque.

"Já não é o Edifício que Possui o homem, mas este que, aprendendo a lei simples do espaço, possui o segredo do Edifício" (Bruno Zevi, Saber Ver a Arquitetura)

Principais características:

* Ordens arquitetonicas
* Arcos de Volta-Perfeita
* Simplicidade na construção
* A escultura ea pintura se desprendem da arquitetura e passam autónomas Ser Um
* Construções; Palácios, igrejas, vilas (casa de descanso fora da cidade), fortalezas (militares Funções)

O principal arquiteto renascentista: Brunelleschi

É um exemplo de um completo artista renascentista, pois foi pintor, escultor e arquiteto. Além de dominar conhecimentos de Matemática, Geometria e de ser grande conhecedor da poesia de Dante. Foi como construtor, porém, que realizou seus mais importantes trabalhos, entre eles a cúpula da Catedral de Florença e a Capela Pazzi.




cúpula da Catedral de Florença


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Capela Pazzi


PINTURA

Principais características:

* Perspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as diversas distâncias e proporções que tem entre si os objetos vistos à distância, segundo os Princípios da matemática e da geometria.

*
Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na sombra, esse jogo de contrastes reforça a sugestão de volume dos corpos.

*
Realismo: O artistas do Renascimento não vê mais o homem como simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus, mas como uma expressão mais grandiosa do próprio Deus. E o mundo é pensado como uma realidade um ser compreendida cientificamente, e não apenas admirado.

*
Inicia-se uso da tela e da tinta a óleo.

* Tanto a pintura como a escultura que antes apareciam quase que exclusivamente como detalhes de obras arquitetonicas, tornam-se manifestações independentes.
* Surgimento de artistas com um estilo pessoal, diferente dos demais, já que o período é marcado pelo ideal de liberdade e, conseqüentemente, pelo individualismo.

Os principais pintores foram:

Botticelli

os temas de seus quadros foram escolhidos segundo a Possibilidade que lhe proporcionavam de expressar seu ideal de beleza. Para ele, a beleza estava associada ao ideal cristão. Por isso, as figuras humanas de seus quadros são belas porque manifestam uma graça divina e, ao mesmo tempo, melancólicas porque supõem que perderam esse dom de Deus.

Obras destacadas: A Primavera e O Nascimento de Vênus .


Primavera



O Nascimento de Vénus



Leonardo da Vinci

ele dominou com sabedoria um jogo expressivo de luz e sombra, gerador de uma atmosfera que parte da realidade mas estimula a imaginação do observador. Foi possuidor de um espírito versátil que o Tornou Capaz de pesquisar e realizar trabalhos em diversos campos do conhecimento humano. Obras destacadas: Virgem dos Rochedos e A Monalisa.


Virgem dos Rochedos



Monalisa



Michelângelo

entre 1508 e 1512 Trabalhou na pintura do teto da Capela Sistina, no Vaticano. Para essa capela, concebeu e realizou grande número de cenas do Antigo Testamento. Dentre tantas que expressam uma genialidade do artista, uma particularmente representativa é a criação do homem. Obras destacadas: Teto da Capela Sistina e Sagrada Família



A Sagrada Família



Teto da Capela Sistina



Rafael

COMUNICAM suas obras ao observador um sentimento de ordem e segurança, pois os elementos que compoem seus quadros são dispostos em espaços amplo, claros e de acordo com uma simetria Equilibrada. Foi considerado grande pintor de "Madonas". Obras destacadas: A Escola de Atenas e Madona do Prado.



Madona do Prado



Escola de Atenas



ESCULTURA

Em meados do século XV, com a volta dos papas de Avinhão para Roma, esta adquire o seu prestígio. Protetores das artes, os papas deixam o palácio de Latrão e passam a residir no Vaticano. Ali, grandes escultores se Revelam, o maior Dos quais é Michelângelo, que domina toda a escultura italiana do século XVI.

Algumas obras:
Moisés, Davi e Pietá.


La Pietá


http://stoa.usp.br/sady/files/-1/9772/renascultural4.jpg
Moisés


Davi


Outro grande escultor desse período foi Andrea del Verrocchio. Trabalhou em Ourivesaria e esse fato acabou influenciando sua escultura.
Obra Destacada: Davi (1,26 m) em bronze.


Davi


Principais Características:

* Buscavam representar o homem tal como ele na realidade

* Proporção da figura mantendo a sua relação com a realidade

* Profundidade e perspectiva

* Estudo do corpo e do caráter humano.


O Renascimento Italiano se espalha pela Europa, trazendo novos artistas que nacionalizaram as idéias italianas. São eles:

* Dürer
* Hans Holbein
* Bosch
* Bruegel


Para seu conhecimento

- A Capela Sistina foi construída por ordem de Sisto IV (retangular 40 x 13 x 20 altura). E é na própria Capela que se faz o Conclave: reunião com os cardeais após a morte do Papa para proceder uma eleição do próximo. Lareira que Produz fumaça negra - que o Papa ainda não foi escolhido; fumaça branca - que o Papa acaba de ser escolhido, avisa o povo na Praça de São Pedro, no Vaticano.

Michelângelo dominou uma escultura eo desenho do corpo humano maravilhosamente bem, pois tendão dissecado cadáveres por muito tempo, assim como Leonardo da Vinci, sabia exatamente um de cada POSIÇÃO músculo, cada tendão, cada veia.

- Além de pintor, Leonardo da Vinci, foi grande inventor. Dentre as suas invenções estão: "Parafuso Aéreo", primitiva versão do helicóptero, a ponte elevadiça, o escafandro, um modelo de asa-delta, etc

- Quando deparamos com o quadro da famosa MonalISA não conseguimos desgrudar os olhos do seu olhar, parece que ele nos persegue. Por que isso acontece? Será que seus olhos também se mexem?

Este quadro foi pintado, pelo famoso artista e inventor italiano Leonardo da Vinci (1452-1519) e qual será o truque que ele usou para dar esse efeito?

Quando se pinta uma pessoa olhando para a frente (olhando Diretamente para o espectador) tem-se uma impressão que o personagem do quadro fixa seu olhar em todos. Isso acontece porque os quadros são lisos. Se olharmos para uma Monalisa de um ou de outro lado estaremos vendo-a sempre com os olhos ea ponta do nariz para a frente e não Poderemos ver o lado do seu rosto. Aí está o truque em qualquer ângulo que se olhe um veremos um Monalisa sempre de frente.

Nas artes, o ideal humanista ea preocupação com o rigor cientifico podem ser encontrados nas mais diferentes manifestações. Trabalhando ora o espaço, na arquitetura, ora as linhas e cores, na pintura, ou ainda os volumes, na escultura, os artistas do Renascimento os maiores sempre expressaram valores da época: a racionalidade ea dignidade do ser humano.





Aprofundando seu conhecimento

Como complemento do seu estudo, faça uma pesquisa mais aprofundada sobre a Arte no Renascimento. Procure saber mais, por exemplo, sobre alguns pintores importantes como:

* Masaccio (1401-1429)
* Fra Angélico (1387-1455)
* Jan Van Eyck (1390-1441)
* Piero della Francesca (1410-1492)
* Bosch (1450-1516)
* Albert Dürer (1471-1528)
* Ticiano (1490-1576)
* Giotto de Bondone (1266-1337) Pesquise também sobre o estilo Maneirismo e o Renascimento fora da Itália .

Leve suas dúvidas para a sala de aula para que possamos discuti-las ou poste-a nos comentários, ok?

 

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